A veces me sorprendo a mí mismo analizando las relaciones tan personales y extrañas que realizo entre cosas que poco o nada tienen que ver entre sí. Por ejemplo, hace un año os hablaba de cómo hubo una época en la que Wild Frontiers de Gary Moore y La reencarnación de Peter Proudse fusionaron de un modo tan estrecho, hasta íntimo, que en aquel momento para mí, álbum y libro eran sólo uno, indisolubles.
La verdad es que lo de hoy no es para tanto, pero me pareció curioso y sobre todo sorprendente, incluso para mí mismo, que cuando la semana pasada publicábamos sobre Nat King Cole, ipso facto apareciera la imagen de Emmanuel en mi cabeza. ¿Que tienen en común estos dos artistas entre sí? Pues nada que yo sepa, excepto que ambos aparecían en la cassette que mis padres llevaban perpetuamente en su coche, una de esas recopilaciones que incluían canciones de artistas muy de su agrado como Julio Iglesias, Raphael, Roberto Carlos o Rocío Jurado entre otros muchos. Aunque no lo recuerdo muy bien, creo que la canción de Cole incluida era Solamente una vez, de lo que sí estoy seguro es que No he podido verte era sin duda la canción de Emmanuel.
Y si el recuerdo es en este caso tan nítido es porque es un tema que a mí me no disgustaba oír. Escuchar hoy en día este tipo de canciones se me antoja cuanto menos complicado, pero a mis 12 años la carencia absoluta de prejuicios (en aquel momento Eurodance, Hombres G y/o Twisted Sister eran totalmente compatibles) suscitaba una curiosa indefinición musical que permitió tamaña deslealtad.
Emmanuel y su peculiar manera de bailar
Como soy un completo y total ignorante de los ritmos y músicas latinoamericanas y de la inmensa mayoría de sus artistas, he tenido que informarme de que Emmanuel es un mexicano hijo de una española y un argentino, bailarina flamenca ella y torero él (parece el guión de una telenovela) y que, tras probar suerte en los ruedos y recibir una cornada, decidió abandonar la tauromaquia y dedicarse a la canción. Quizá ello explique sus característicos bailes, no sé.
Su carrera musical se inicia a mediado de los 70, pero es en los 80 donde consigue sus mayores cuotas de éxito gracias a trabajos que le llevaron a actuar junto a gente como Plácido Domingo, Joe Cocker, Lionel Richie o Tina Turner. Supongo que en una época en la que lo latino no lo tenía tan fácil como ahora en el mercado estadounidense, Emmanuel logró adentrarse en él.
Ya en los 90 comienza a decaer progresiva y gradualmente su popularidad, aunque todavía nos dejaría para el recuerdo temas como Bella Señora (de sus pocas que yo había escuchado) y esta No he podido verte, cuya letra y música es de Juan Luis Guerra, quién además participa en los coros de la misma: "Bororororoi, toré toré teroré". Respecto al videoclip, iba a analizarlo, pero mejor será que lo hagas tu mismo...
Bad English, cuando el AOR casi alcanza la perfección
Esta entrada fue originalmente creada para blog #ffvinilo (gracias a los que me invitaron a participar) y publicada hace un par de semanas en el mismo. La principal razón que me movió a reproducir gran parte de ella aquí es que, aprovechando que el álbum de hoy es considerado como tal vez el trabajo más importante dentro de lo fue denominado AOR (Adult Oriented Rock), voy a comenzar un pequeño ciclo de entradas dedicadas a este particular estilo que tanto amo y que, junto a las Power Ballads, tan denostado y hasta difamado percibo.
La mencionada entrada original decía tal que así: No fue en un pueblo con mar una noche después de un concierto, fue bastante más lejos, en Madrid, concretamente en El Rastro una gélida mañana de invierno. Eso sí, recién acabábamos de abandonar el último bar que vimos abierto cuando de repente, un objeto de color rojizo hizo que las pocas neuronas que aún sobrevivían en mi cerebro tras la cogorza de rigor volvieran a generar la energía suficiente como para poder entornar ligeramente mis párpados y asegurarme que aquel objeto era efectivamente el vinilo de Bad English. De cómo finalmente logré dirigir mi cuerpo casi inerte hacia él y pronunciar las cuatros palabras necesarias para adquirirlo mejor lo dejamos para otro día, merece un capítulo aparte...
Castronovo, Waite, Schon, Phillips y Caine
Creo que no es necesario hablar de Bad English, quien más quien menos ha oído hablar de este supergrupo formado por el grandioso Neal Schon junto con Jonathan Cain tras una separación temporal de Journey junto con ex miembros de The Babys (el también solista John Waite y Ricky Phillips) más el inquieto baterista Deen Castronovo, aunque me parece que ya lo he hecho ;)
Como he comentado en alguna otra ocasión, desde siempre he tenido la sensación de que, cuando Schon y compañía comenzaron con este proyecto, no imaginaban que llegaría a convertirse en la que quizás sea la gran obra maestra del AOR, en esa joya absolutamente imprescindible para todos aquellos que amamos este . Y ojo, que sea un gran disco de AOR no significa que esté exento de calidad o que peque de blandito, pues es un trabajo bastante rockero, una mezcla perfecta entre elaboradas y cuidadísimas melodías y riffs bien potentes. Y para demostrarlo vamos a dar un pequeño repaso a todas y cada uno de los temas que conforman esta gema:
Cuando las teclas de Cain junto a la guitarra de Schon comienzan a sonar a modo de trompetas que anuncian un gran espectáculo, nos damos cuenta de que lo que se no avecina es algo grandioso. Y es que no pudieron iniciar mejor este álbum que con Best of what I got, un excelente tema (fue lanzado como single) de Rock melódico que inevitablemente hace que te pongas alerta de lo que te aguarda a continuación. Y es que lo siguiente no es moco de pavo. Heaven is A 4 letter wordes posiblemente el tema más sólido, más pesado y más consistentemente rockero de toda la nómina de canciones de este álbum. Calidad en abundancia durante todo el tema, el cual también fue destacado como sencillo.
Y como después de la tormenta viene la calma, llegamos ahora a Possession, la primera concesión en forma de balada que tuvieron a bien en obsequiarnos estos cinco magníficos músicos. Elegancia por los cuatro costados, un tema muy cuidado con unas preciosas transiciones entre verso, puente y estribillo, inolvidable por la voz doblada de Waite y los delicados coros. Destacable también la alternancia (o intromisión) de Waite y Schon durante el solo de este último. Reconozco que me encanta este corte, aunque no tanto como a mi chica, que tuvo la letra puesta en la puerta de la nevera durante meses, los mismos que no dejó de sonar incesantemente a todas horas en nuestra primera casa.
Turno ahora para Forgert me not. Ese comienzo del bajo de Phillips parece anunciar una locomotora que se va acercando gradualmente, la guitarra de Schon se asemeja a la sirena de la tractora cuando está ya muy cerca y la entrada de la batera de Castronovo te atropella sin remedio. No hay marcha atrás, ese Rock rabioso te arrolla sin piedad, imposible olvidarlo, no hacia falta que lo repitieran dos veces, es inevitable.
Tracklist
When I see you smile es sin ningún género de duda el mayor éxito y la canción más conocida de Bad English, un baladón con todas las letras; y en mayúscula. Si tuviéramos que mostrar un arquetipo perfecto de lo que es y lo que significa una Power Ballad, esta sería un ejemplo ideal. Comienzo espeluznante de teclado, Waite con ese estilo suyo tan particular especialmente en el puente, bonito y sin demasiados artificios Schon en el solo y un impresionante trabajo de Cain desde la primera hasta la última nota. Sobresaliente.
De nuevo Cain haciendo de las suyas al comienzo y en el estribillo de Tough times don´t last (Dios mio que estribillo!!! Magia pura). Y lo de Schon es que no tiene nombre, desde ese riff del principio que suena antes de que se comience a cantar hasta el furioso y excelso solo. Vaya dos estos Schon y Cain, me traen de cabeza. Y cuando parece que no se podía llegar más alto entonces llega Waite y se marca un final de tema acojonante acompañado por unos maravillosos coros que ponen la guinda final a una canción absolutamente grandiosa. Se nota que me gusta, verdad?
Ghost in your heart es un medio tiempo que a mí personalmente me inspira una atmósfera -principalmente por Cain- como de misterio, y sobre todo de soledad, de melancolía, de tristeza, de añoranza de lo que pudo ser y nunca fue. La batería de Castronovo adquiere gran protagonismo durante todo el tema, sería imperdonable olvidarnos de él.
Soy consciente que es bastante impopular y sobre todo injusto elegir una sola canción de un álbum, pero si yo tuviera que elegir una, sería esta. Más cerca de la balada que del medio tiempo, Price of love es una joya que te va acariciando a cada palabra que pronuncia John Waite. En este punto he de reconocer que no soy gran fanático de este tipo, sin negar que es un gran vocalista con una gran técnica y un estilo muy particular y distintivo, siempre me pareció que le faltaba algo de garra, no sé, algo más de personalidad. Sin embargo en esta canción se sale, realiza un ejercicio colosal tras el micrófono principal, un tema perfecto (de hecho lo compuso él junto a Cain) para su peculiar manera de cantar. El final de la canción es algo fuera de lo normal, para mí quizá el momento más emocionante de todo el álbum. Ahí es nada.
Volvemos al Rock con Ready when you are, un tema con mucho rollo, y Lay Down, cuyo estribillo me recuerda ineludiblemente a los Bad Company de los 70 e incluso a algunos estribillos de Van Halen. The restless ones, un nuevo medio tiempo bastante guapo, vuelve a sacudirnos y recordarnos que lo melódico y lo rockero pueden convivir perfectamente. Verso tranquilo, estribillo más acelerado sin olvidar el matiz aorero, una mezcla perfecta que aunque no llega a la altura de Possession o de Price of Love mola bastante. Tras superar un nuevo peldaño rockero con Rockin´ horse, llegamos al último corte del disco con Don´t walk away, una suerte de lenta muy suave y lineal, delicada e intimista, más típica de Waite en solitario que de Bad English en la que el bueno John nos invita a no irnos. Mal haríamos si lo hiciésemos, porque dos años después publicarían Backlash, pero esa es otra historia...
En una de mis cada vez más habituales salidas de armario musicales realizadas en este blog, hacía referencia a aquella época en la que, al no poseer aún el carnet de conducir, para irnos de fiesta, nos repartíamos como buenamente podíamos entre los coches de los que efectivamente sí tenían en su poder lo que en aquel entonces era ese tan ansiado, codiciado y valioso documento. Comentaba también que, en función del vehículo y por ende la voluntad dictatorial del dueño del mismo en el que te tocara subir ese día, indistinta e innegociablemente te tocaba escuchar durante el trayecto lo mismo Las Cantaditas, MaxiPop, Los Chichos o Manowar. De entre todos ellos, quizá el sonido que con más cariño recuerde sea el Tributo de Saratoga. Daba igual que se te fueran las palmas cuando sonaban Los Chichos o Estopa, no importaba que no pudieras controlar tus piernas al oir una sesión de Pont Aeri, Límite o Radical, todos sin excepción nos aprendimos y cantábamos las canciones de aquel extraño pero atrayente disco.
Y digo lo de extraño como halago, pues a mí el álbum me parece una auténtica maravilla. Ya no sólo por aunar un montón de temazos digamos clásicos del Rock patrio, sino también por concebirlos y elaborarlos de la manera que lo hicieron Jerónimo Ramiro, Niko del Hierro, Joaquín Arellano y Fortu. En este sentido imagino que el hecho de que todos y cada uno de los integrantes hubieran formado parte de casi la mitad de bandas que versionaron en el disco ayudó bastante. Imprescindibles estas Resistiré y Autopista de Baron Rojo y Obús respectivamente.
Quizá afirmar que mejoraron muchas de las versiones originales sea un tanto impopular y hasta ventajista, y es posible que muchos no estén de acuerdo con tales afirmaciones, pero lo cierto es que yo lo siento así. Dos buenos ejemplos pudieran ser No dudaría de Antonio Flores y Fuera de la ley de Los Ángeles del infierno.
La verdad es que fue este un trabajo (el 2do en la discografía de Saratoga) que pasó bastante desapercibido, incluso para la comunidad rockera, que pensaba en un principio que se trataba de una banda tributo. Desgraciadamente me da la sensación que sigue estando bastante inadvertido por la mayoría, de otro modo me cuesta explicar que no haya logrado encontrar algún vídeo de otros de los temas que componen el disco, tales como Más duro que nunca (Ñu), Reencarnación (Santa), Mirada Asesina (Muro), Que tire la toalla (Leño) o mi súper favorita Voy a tu ciudad de Banzai. Por suerte sí que he podido encontrar cortes tan buenos como lo son Junto a tí de Panzer y Vallecas 1996 de Topo.
Esta primera época de Saratoga se cierra con el plástico Mi ciudad ya con Gabi Boente como vocalista, comenzando la segunda y más exitosa con Dani Pérez y Leo La bestia Jiménez en 1999 con el álbum Vientos de guerra, pero esa es ya otra historia de la que os hablaré en mi próximo post...
D'yer mak'er, cuando un chiste inglés inspira un sucedaneo Reggae
-My wife's on vacation in the West Indies -Did you maker her? -No, she went for her own accord
Si ya de por sí, contar chistes no es lo mío, a ver cómo demonios hago para explicar uno por aquí. Y si encima es en inglés, apaga y vámonos... Bueno, vamos allá: D'yer mak'er, queen España se tradujo inicial y erroneamente como el tintero o tintorero, es en realidad la abreviatura de "Did you make her", que en ese contexto en español quiere decir algo así como "¿hiciste que se fuera?" Al sonar "D'yer mak'er" fonéticamente, y basándose en la jerga rimada cockney, parecido a Jamaica ("Yameica"), se produce un juego de palabras que quedaría tal que así:
-Mi esposa está de vacaciones en el caribe -¿La hiciste irse? (¿Jamaica?) -No, se fue por su propia voluntad 😂😂😂😭
Pues sí amigos, de esta manera tan graciosa 😏 es como nació esta canción, a todas luces atípica en la discografía de Led Zeppelin. Supongo que, aprovechando el capote que Jamaica les brindaba, decidieron marcarse esta especie de tema Reggae tan de moda a comienzos de los 70, y que a mí particularmente me encanta. Siempre lo digo, para el que suscribe, en música está Led Zeppelin y luego todo lo demás.
Es de las pocas canciones en la que los 4 miembros comparten los derechos de autor, si bien es cierto que no todos la tienen en la misma estima. Así por ejemplo, el bajista John Paul Jones (y muchos críticos musicales, dicho sea de paso) desde siempre mostró una cierta contrariedad respecto a este tema, el cual musicalmente nació de una improvisación de John Bonham al marcar un compás en la batería similar al del Doo-Woop de la década de los 50, cambiando después a un ritmo ligeramente más lento, surgiendo de este modo esa clara influencia Reggae. Por cierto, el distintivo sonido de la batería en este tema fue logrado colocando tres micrófonos a una cierta distancia de la batería.
A Robert Plant no es que le disgustara, más bien se sentía sorprendido de hasta donde había llegado el juego de palabras inglés comentado y la improvisación a medio camino entre el Reggae y Doo-Woop. En este punto hay que indicar también que en libro del álbum suma en los créditos de autor a Rosie and The Originals, debido a la influencia que se evidencia en la construcción de la canción al compartir progresiones de cuerdas con la canción Angel Baby. Lo de Led Zeppelin con los plagios se ha convertido en todo un clásico...
Y aunque quizá esta D'yer mak'er no sea de esos clásicos conocidos por la inmensa mayoría de la humanidad como lo pueden ser Stairway to heaven o Whole Lotta Love, yo siento una especial atracción y cariño hacia ella. No sé, es escucharla y entrarme unas ganas locas de hacerme rastas y fumarme un can... que no veas. 😁
¿Más datos? Pues que figuraba en la nómina de temas de House of the holy y fue lanzada como sencillo primero en EEUU, pero al alcanzar sólo el #20 de las listas se desechó hacerlo en Reino Unido. También que en la cara B del single en cuestión aparecía The Crunge, otro atípico y extraño experimento zeppeliano, aunque esta vez al estilo Funk. En ningún momento de la canción se nombra el título de la misma con el fin de, según admitió Plant, reflejar mejor el espíritu Reggae del tema. Nunca fue tocada en su totalidad en vivo, tan sólo algunos fragmentos fueron interpretados en Whola Lotta Love y Communication Breakdown en su gira por EEUU en el ´75. Respecto a la letra, es muy muy sencilla, y habla en primera persona a su chica de cómo no tiene porqué irse, aunque finalmente parece que efectivamente ella lo hace, provocandole lágrimas, hiriendo su alma y haciéndole volverse loco a causa de la carta que ella le envía. Desde Yameica, supongo...
Whitesnake, cuando no es extraño amar a una serpiente
Creo que tras más de cuatro años ha llegado el momento de hablaros de una de las bandas más importantes en mi cándida existencia. Sí, ya lo sé, muchas son las bandas que he tenido a bien en reconocer como especiales en mi vida, pero es que en esta ocasión se trata de una de esas realmente fundamentales, lo cual no significa que las otras no lo sean 😲 Pero trascendental de verdad de la buena, oiga. ¿Cómo si no se explica que un tipo que siente una incontrolable aversión hacia las serpientes decida autodenominarse "Snake" en la red? 😜
Logo clásico de Whitesnake
Efectivamente, lo has adivinado, hoy toca hablar de Whitesnake; o lo que es lo mismo, de David Coverdale, uno de mis mayores ídolos dentro de esta caótica obsesión que inunda mi vida. Para justificar tal afirmación podría comenzar a enumerar los innegables logros musicales que Mr. Coverdale ha cosechado a lo largo de su longeva carrera, del número de ventas de sus discos, de cómo ha sabido seducir a distintas generaciones a lo largo de los años y rodearse de los mejores músicos, de su inconfundible voz, de su incontestable carisma... Pero no lo voy a hacer, simplemente me voy a limitar a recordar que, con tan sólo 22 años y siendo un perfecto desconocido que vendía pantalones en una tienda, fue capaz de ponerse al frente de los monstruosos Deep Purple, casi nada.
Tras tres discos púrpuras, decidió comenzar lo que a la postre sería una triunfal y duradera carrera en solitario, inicialmente bajo su propio nombre y poco más tarde bajo el abrigo de la serpiente blanca. Llegados a este punto, y debido a lo extenso de la andadura de Whitesnake, vamos a obviar el periodo que va desde los 90 hasta nuestros días y centrarnos en su etapa más gloriosa, la que abarca desde que la serpiente apenas sí había asomado la cabeza a través del cascarón hasta el momento en que los EEUU se encontraban hechizados e inoculados del veneno del ofidio en cuestión.
Dentro de esta etapa, por casi todos es conocido los dos subperiodos que caracterizaron su más legendaria andadura, una primera representada por un sonido de Hard Rock clásico con evidentes matices Soul y Rhythm & Blues en álbumes como Trouble, Lovehunter, Ready an´ willing o Come an´ get it, y una segunda en la que, a través de un sonido más melódico, accesible a las masas (y por ende a las radiofórmulas) y acorde a los tiempos que corrían, se realizó un descarado acercamiento a la comercialidad con el fin de conquistar el mercado norteamericano. En alguna ocasión me pareció leer que Coverdale no se permitía admitir tal licencia, pero no hay más que escuchar Slip of the tongue y sobre todo el coloso 1987 (de cómo de tiñó de rubio y se cardó el pelo ya ni hablamos) para comprender que eso no es totalmente cierto, aunque personalmente no llego a comprender la causa de bochorno.
Mr. Coverdale, ese rubiazo...
Así pues, ¿cual es mejor de estas etapas? Pues ambas, no entiendo porqué se ha de elegir entre dos cosas magníficas totalmente compatibles entre sí, complementarias si me apuran.
Y ahora sí, por fin aterrizamos donde yo quería llegar, al momento de transición entre ambos sonidos,el momento justo en el que ambas etapas se fusionan para dar lugar al que, para mí, es su mejor trabajo, Slide it in, esa joya en la que podemos disfrutar de ese sonido con reminiscencias añejas mezclado con nuevos tintes más melódicos, que por siempre ocupará un lugar en mi particular Top Ten gracias a temazos extraordinarios como Guilty of love, Standing in the shadows, Gambler o mi súper favorita All or nothing.
Coverdale, War y Jake, tres amigos de toda la vida
Pido disculpas, hoy me he saltado aquello define la esencia de este blog, historias de UNA canción, sus curiosidades, sus anécdotas, pero si por algo invierto parte de mi tiempo en este embrollo es por rendir homenaje a mis temas, álbumes y bandas favoritas. Pero sobre todo me disculpo por someteros al interminable texto, quizá otro día hablemos de la importancia del eterno Cozy Powell en este trabajo, de cómo se lanzaron dos versiones de este disco, la europea y la norteamericana, de como el rubiazo (este sí) John Sykes participó en esta segunda, eso sí, tras la obligada negativa de Adrian Vandenberg, quién más tarde sí que efectivamente formaría parte de Whitesnake, al igual que Rudy Sarzo, cuya mujer, Rebeca, aparece en el clip enlazado más abajo, y otras muchas más coyunturas interesantes para aquellos que amamos a la serpiente.
Mientras eso llega, disfruta de esta imprescindible Love ain´t no stranger, la que más disfrutamos en aquel concierto en Barcelona en 2013, ya nos podemos morir tranquilos...
Child in time, una de las mayores obras maestras en la historia del Rock
Ocurre a veces que, cuando uno trata de abarcar lo máximo posible, se deje olvidado lo imprescindible. Sucede en ocasiones, al intentar dar cabida a la mayor cantidad de bandas/éxitos efímeros que pueda, se deje en el tintero a aquel esencial que durante tantos años nos hizo disfrutar... Pues eso es exactamente lo que nos me ha pasado con algunas de las bandas indispensables en esto de la música del s.XX, aunque poco a poco vamos disminuyendo las causas de bochorno. Personalmente considero motivo de sonrojo que los inmensos Deep Purple aun no hayan hecho acto de presencia por nuestra bitácora tras una relativamente longeva andadura (nuestro 4º aniversario está al caer). Pues para eso estoy hoy yo aquí...
Pero antes de hablar de la canción en cuestión, creo que es necesario poner en antecedentes. Tras tres discos en el mercado con un sonido un tanto indefinido (desde el Pop Rock hasta lo psicodélico pasando por el Rock progresivo) se produce un hecho trascendental en el devenir de la banda: La incorporación, en sustitución de Rod Evans y Nick Simper, de Ian Gillan y Roger Glover, que junto al trío formado por Blackmore, Lord y Paice conformaban una de las mejores formaciones de la historia de la música, la llamada MK II.
Icónica portada del In Rock, con la MKII imitando el Monte Rushmore (vale, sobra uno)
A partir de ese momento su sonido se centró en exclusiva en el Hard Rock (de muy altos quilates), alejándose igualmente de realizar versiones de otros, tales como The Beatles y alguno más. Fruto de todo lo comentado, aparece Deep Purple In Rock, esa joya imprescindible que marcaba un punto de inflexión tanto en el sonido de la banda como en el éxito de la misma. La tremenda Black Night, Speed King, Living wreck... y sobre todo la absolutamente colosal Child in time:
Compuesta por todos y cada uno de los integrantes de la MK II (al parecer fue la primera pieza confeccionada por estos 5 monstruos), se dice que el tema surge a partir de una improvisación de Jon Lord, quien de manera un tanto espontánea, comenzó con su Hammond a realizar variaciones acerca de un riff (de violines y con un tempo más rápido) de Bombay Calling(¿plagio?) de It´s a beautiful day, banda coetánea en aquel momento a los Purple, pero que estaban más en la onda de Greateful Dead o Jefferson Airplane, o sea, más psicodélicos, hippies. Repentinamente Gillan se unió improvisando unos versos que a su vez dieron paso a esos aullidos tan inolvidables y característicos del tema. Pagaría millones por ver la cara del resto del grupo, Blackmore, Paice y Glover en aquel preciso momento, los cuales, y ante el evidente potencial de lo que ahí se estaba cociendo, se unieron a aquella maravillosa locura que finalmente desembocó en algo tan grandioso como esto:
Tanto la sobrecogedora instrumentación como las líricas (que tratan sobre el bien, el mal, la justicia) sugieren y provocan una ineludible atmósfera dramática, misteriosa, turbadora por momentos. La letra está basada en el sufrimiento de David LaFlamme, violinista de los mencionados It´s a beautiful day, a causa de la muerte de su padre durante la Guerra Fría. Respecto a la instrumentación, tanto en las partes más lentas y dolorosas e incluso hirientes, como en las más rápidas y atronadoras, es imposible no destacar en primer lugar la excelsa interpretación de Ian Gillan, el buen hacer de Lord y también de Glover y como no, de mi idolatrado Ritchie Blackmore, que casi nunca falla. Yo, como experto y profesional aficionado amateur de las baquetas, me gustaría hacer mención especial a la labor de Ian Paice en la batería, un trabajo absolutamente brillante, sobresaliente, majestuoso.
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Pero sí hay una versión especialmente famosa de esta suite, sin duda esa fue la ejecutada en Japón dos años después, en 1972, y que por suerte para la humanidad quedó grabada en el renombrado e ilustre Made in Japan. Allí, donde aún no habían penetrado los Stones ni los Zeppelin, Deep Purple registró lo que para muchos es el mejor álbum en vivo Rock de la historia; al menos, y hasta donde yo sé, el más vendido.
Y una última curiosidad, sobre el 9:42 del vídeo enlazado más abajo, se puede oír un sonido de fondo que al parecer fue un disparo que un japonés que se encontraba entre el público realizó sobre sí mismo, un suicidio en toda regla, vaya. Se dice que la última voluntad del asiático individuo era escuchar Child in time justo antes de morir, aunque otros muchos mantienen que tan sólo se trata de un amplificador o foco al explotar por el calor allí existente. El hecho en sí nunca fue confirmado, pero tampoco negado, ni por periodistas, ni por los integrantes de Deep Purple, ni por ningún espectador allí presente, lo cual no hace más que otorgarle cierto tinte de enigma al asunto. Personalmente me cuesta creer, y más conociendo la capacidad de sorpresa que poseen los japoneses, que no se oyera ningún tipo de revuelo posterior; de hecho, el concierto continua como si tal cosa. Según algunos testimonios, cuando los espectadores fueron abandonando el lugar apareció tirado en el suelo el cadáver de un hombre, cuesta creerlo.
Sea como fuere, con todos ustedes, la mejor versión de una de las mejores canciones de Rock de la historia, Child in time, de los imprescindibles Deep Purple!!!
Lump, o cuando un tumor (¿femenino?) te lleva al infinito y más allá
Recién extinto 2016, me encontraba yo el otro día leyendo un artículo a modo de resumen acerca de este año pasado. Está claro que, por lo general, suelen aparecer más menciones negativas en este tipo de recapitulaciones, pero realmente no fue un buen año, tampoco en lo personal. De entre todos los sucesos que se mencionaban (Brexit, refugiados sirios, independencia catalana, numerosas muertes en el mundo de la música, visita de Obama a Cuba...) hubieron tres que, por curiosas, llamaron poderosamente mi atención: Que el 2016 fue declarado por la ONU como el año de las legumbres 😳, que "populismo" fue elegida la palabra del año 😲, y que (no sé sí esto debería ser considerado "curioso") Donald Trump fue elegido Presidente de los EEUU de América. 😭😤😵😔
No seré yo quien realice una valoración sobre este despropósito (joder, creo que ya lo hecho) y mucho menos aquí, un espacio sobre música totalmente apolítico. El caso es que de manera fulminante aparecieron en mi cabeza otros presidentes de los EUA mucho mas amables. Y no, no me estoy refiriendo a Obama, Bush, Clinton, Kennedy, Lincoln, Nixon o Roosvelt, sino a otros más cachondos e irreverentes, que me hacen viajar directamente a mis 15 años, a 1995, un año mejor que este 2016.
The Presidents of the United States of America surgen de la abundosa cantera de bandas de Seattle de la 1ra mitad de los 90, por lo que no es extraño que se les incluyera en aquel enorme saco denominado Grunge. Poco o nada tienen que ver estos tipos con Nirvana o Pearl Jam, en todo caso más parecidos a Green Day o a Offspring. O lo que es lo mismo poco Grunge y mucho Rock alternativo y/o Punk.
¿Presidentes estos tipos? Bueno, al menos llevan corbata
El trío comenzó en el ´93 como dúo, Chris Ballew, bajista que toca el "basitar" y Dave Dederer, cantante y guitarrista que toca el "guitbass", o sea, guitarras de seis cuerdas modificadas, sustituyendo dos cuerdas en el caso del "basitar", para que suene como bajo, y cambiando tres en el otro caso para un efecto similar. La idea original surge del líder de la banda Morphine, con quien Ballew habia trabajado previamente. Finalmente se unió el batería Jason Finn, el tercero en cuestión.
Menos de un año necesitaron para que Columbia los fichara y reeditara su primer álbum homónimo, inicialmente arrojado por una pequeña discográfica de Seattle y que rápidamente se convirtió en un gran éxito global, reportándoles nominaciones a los Grammy, un disco de oro y una gira mundial durante tres años consecutivos. Tras su segundo plástico, II, en 1998 deciden separarse con esporádicas reuniones que siguen hasta nuestros días, eso sí, sin el cantante Dederer, que desde 2004 no participa en la banda.
Si 3 son los miembros de este grupo, 3 fueron los singles que lanzaron a PUSA desde las alcantarillas de Seattle hasta el infinito y más allá: Peaches, Kitty y, por encima de todas, Lump, que en palabras del propio autor Ballew, fue compuesta combinado su propia historia de tener un tumor benigno en su cabeza, al que otorga una personalidad femenina, con la visión de ese tumor-mujer en un pantano. ¿Cómo se come esto? Al parecer, para tratar esta dolencia, Ballew fue medicado con un fármaco bastante incompatible con sus alergias, lo que propició que viera e imaginara cosas raras, alucinaciones. Para que luego nos quejemos de nuestra Seguridad Social...! Tal vez, en este sentido, Lump casi que podríamos catalogarla como psicodélica 😵
Musicalmente intentaron hacer una canción a lo The Buzzcocks. En cuanto a las líricas, estos tipos acostumbraban a darle un toque de humor a sus letras, y sorprendentemente (joder, son los Presidentes!!) evitan tratar temas políticos. Concretamente en esta, de manera un tanto surrealista hablan sobre ese tumor personificado en una mujer acomodad@ en un pantano cenagoso, supongo que el mismo que aparece en el videoclip.
 te lleva al infinito y más allá Página Facebook Nuestra lista en YouTube Rss Ficha Nombre: Lump (Tum...){kind=link}